EX.POSE ist eine 360° Tanz- und Medieninstallation. Die monumentale, frei zugängliche Medienskulptur versteht sich in seiner Form als eine Antwort auf die Herausforderungen und Fragilität unserer Gegenwart.

Die in halbtransparente Projektionsstoffe eingehüllte Open-Air-Bühne wird durch die Komposition aus Animation, Tanz und Musik zur lebhaften Skulptur. Durch ihre sich überlagernden Flächen entsteht ein besonderes Erlebnis, welches durch die Bewegung des Betrachters beim Umrunden der Installation in immer neue Formen getaucht wird. Die Musik als Vermittler zwischen Emotion und Bewegung verändert sich ebenso je nach Position der Zuhörer. Dies schafft endlose Perspektiven auf EX.POSE.  

In der zyklischen Inszenierung wird die Protagonistin immer wieder mit den sich stetig wandelnden Facetten ihrer Identität konfrontiert. Wir begegnen ihr in Momenten des Glücks, der Krise und Verletzlichkeit. Über allem steht die Sehnsucht nach dem Gefühl des Ankommens.

Das Projekt SCREENIC OBJECT ist eine Reihe von selbstinitiierten künstlerischen Studien um das ästhetische Potential von Bildschirmen an der Schnittstelle von Bild und Skulptur zu erforschen. Beim Betrachten werden Sehgewohnheiten aufgebrochen und die Materialität der Objekte in Frage gestellt. Dabei werden verschiedene transparente und transluzente Objekte auf “screenischen” Oberflächen komponiert, und mit passgenauen Animationen hinterleuchtet, die die zweidimensionale Fläche des Screens in die Tiefe erweitern. Die entstehenden Werke werden als limitierte Edition produziert und als Wandobjekte im Galerie-Kontext präsentiert.

Diese erste eigenständige Edition ist als Hommage an geometrische Grundformen zu verstehen, die in der historischen Entwicklung von digitalen Screens eine fundamentale Rolle gespielt haben: Die Linse, das Prisma und der Kubus. Im Laufe der Animation entwickeln sie ihre eigenen Ästhetiken und Verhaltensweisen und verweisen dabei auf die intensive historische Beschäftigung im Rahmen des Screenization Projektes.

Screenic Object (Edition1: Hommage)
Bildschirm, Medien-Player, Holzrahmen, 44x44x6cm, 2021
Auflage: 5 Exemplare

Das Werk MIMESIS für das Lichtstrom Festival Ingolstadt wurde inspiriert vom Motto Post-Naturalia. Wir entwickelten eine künstlerisches Projection Mapping auf ein Gebäudeteil des Reduit Tilly im Klenzepark. Die spiegelsymmetrische Fassade des Armeemuseums bildete den Anschluss des Festivalgeländes zum Donau-Ufer und der Innenstadt.

Der Begriff Post-Naturalia bezeichnet die künstliche Nachahmung, etwa der natürlichen Wirklichkeit, die in unserem Fall durch eine digitale Ebene überlagert wird. Am Anfang der Inszenierung verändern und transformieren beispielsweise die Klänge die wie Tintengebilde anmutenden Formen. Sie vermischen sich mit den architektonischen Gebäudeformen und es kommt zu einer Verschmelzung der Realitäten. Schließlich bildet sich eine fluide Version der Fassade hervor, die in mehreren Stadien durch technische Eingriffe verfremdet wird. Durch den Einfluss des Lichtes kristallisieren sich kubische Strukturen heraus, die schließlich in einer hochtechnisierten Landschaft, jenseits der Natur münden.

Das Open Space Projekt findet bereits zum dritten Mal statt, und brachte über drei Monate eine bunte Mischung aus kulturellen Veranstaltungen auf dem Bremer Domshof.

Für den temporären, skulpturalen Gerüstbau entwickelten wir ein Medien- und Lichtkonzept. Das Gebäude ist Bühne, Zuschauerraum, Galerie, Forum und Rooftop-Bar zugleich. Unser Konzept für das Projekt dient als Plattform für diese vielfältigen Nutzungen und kann als Infrastruktur für Veranstaltungen und Screenings genauso genutzt werden, wie als atmosphärische Installation in veranstaltungsfreien Zeiten. Dabei dienten die geometrischen Strukturen des Gerüstes sowie die Idee eines changierenden Licht-Objektes in der Mitte der Stadt als Inspirationen.

Dafür wurden drei dauerhafte Projektionsflächen in die Struktur integriert, sowie ca. 100m adressierbare LED-Streifen die gemeinsam mit der Ansteuerung von über 50 weiteren Leuchten das Gebäude bei Dunkelheit in eine dynamische Lichtskulptur verwandeln.

«RELIEF» behandelt die Frage, wie ein vom Menschen erschaffener, digitaler Algorithmus, der sich verselbstständigt, eine natürliche — aber vom menschlichen Wirken beeinträchtigte — Landschaft musikalisch interpretiert. Wie klingt dann wiederum eine vom Menschen geschaffene Komposition, welcher diese verselbständigten digitalen Daten zugrunde liegen?

Das Ergebnis ist ein Landschaftsfilm, der die abwechslungsreichen Topografien des Landes Brandenburg durch eigens dafür programmierte Klang-Algorithmen mit einem originären Soundtrack versieht. Dadurch werden den Texturen als stumme Zeugen eines rasant fortschreitenden Wandels, und als historische Speicher von topografischen Zeichen und Formen eigene Stimmen verliehen. Es entsteht eine Spannung durch Darstellung und Gegenüberstellungen von natürlichen und anthropogenen Formen, welche zur generativen Klangerzeugung genutzt werden. Ackerfurchen werden so zu Auslösern von Klangsequenzen, Wälder erzeugen schillernde, granulare Tonspektren oder Wasseroberflächen bilden die optische Grundlage für tiefe Klangtexturen. Scanlinien der Analyseparameter werden teilweise sichtbar gemacht und ergänzen die Landschaftsaufnahmen. Damit wird die Arbeitsweise des Klang-Algorithmus’ verdeutlicht.

REFLECT ist eine 360°-Konzertinstallation, in der die Möglichkeiten künstlerischer Kommunikation zwischen Mensch und Maschine erkundet werden. Eine digitale Entität wird auf visueller und klanglicher Ebene als Beobachterin, Interpretin und Taktgeberin inszeniert.

Die Performance zeigt eine Begegnung zwischen diesem technischen Organismus und einem menschlichen Orchester in verschiedenen räumlichen Konstellationen. Dabei verschwimmen Wahrnehmungsgrenzen und etablierte Automatismen der Darbietung eines klassischen Konzerts werden neu beleuchtet.

Wieviel Algorithmus steckt in klassischer Musik? Ist die formalisierte Struktur eines Orchesters nicht schon ein Schritt zur Automatisierung? Ist eine virtuelle Entität zu emotionalem Ausdruck und Feinsinn fähig? Diese und ihnen verwandte Fragen liegen dem Projekt zugrunde und werden im im Laufe der etwa 20-minütigen Erfahrung untersucht.

Anlässlich des 30. Jahrestages der deutschen Wiedervereinigung und der Inbetriebnahme des FRAME inszenierten wir eine Lichtinstallation des Ausstellungsraumes des Deutschen Schiffahrtsmuseum.

Der Leuchtrahmen FRAME umrahmt den Bangert-Bau und inszeniert die Exponate wie auf einer Bühne. Durch vier räumliche Projektionsflächen wird diese flächige Bespielung um detaillierte, hochauflösende Inhalte ergänzt.

Dreh- und Angelpunkt der Installation ist ein Gezeitenrechner aus der DDR, anhand dessen das Zusammenspiel von Themen wie Meere, Klimawandel und Forschung visualisiert wird. Abstrakte, grafische Formen und Töne breiten sich durch den ganzen Raum und über den Vorplatz aus, und werden durch Foto- und Videomaterial aus der Wissenschaft und Forschung ergänzt.

Die Erasmus Knowledge Alliance Higher Art Education, Creative Industry and Business – Futures Art School Trends – 2045 (FAST45) hat zum Ziel, zukunftsorientiertes Denken und Handeln in Kunsthochschulen und Universitäten zu initiieren und zu unterstützen. Das Projekt eröffnet einen Dialog und Wissensaustausch zwischen den verschiedenen Kunsthochschulen und Universitäten in Europa und ihren sozioökonomischen Partnern aus unterschiedlichen Disziplinen.

Im Rahmen des FAST45 Projekts werden mögliche Veränderungen in der Rolle und der Struktur von Kunsthochschulen und Universitäten unter Berücksichtigung zukünftiger technologischer und gesellschaftlicher Entwicklungen untersucht. Der zu betrachtende Zeitraum ist 25 Jahre. Durch umfangreiche Recherchen, Trendanalysen, einem Austausch mit Experten und innovative künstlerische Praktiken ist es das Ziel, neue Denkweisen und Strategien für die Zukunft künstlerischer Bildung und Ausbildung und der Rolle von Künstlern in Wirtschaft und Gesellschaft zu explorieren. Begleitend wird erforscht, wie eine künstlerische Herangehensweise als Methode für Zukunftsdenken eingesetzt werden kann, und wie als Ergebnis neue und explorative Prozesse entdeckt werden können.

Das Projekt bereitet eine umfassende Sammlung von Wissen und Daten auf, die den Kunsthochschulen und Universitäten und ihren Partnern zur Verfügung gestellt wird. Diese Ressource soll die Entwicklung und Implementierung von zukunftsorientierten Ansätzen innerhalb der Kunsthochschulen und Universitäten unterstützen und als Leitfaden für die Vorhersage von Trends innerhalb der Branche dienen. Darüber hinaus wird es eine Plattform für die Zusammenarbeit von Wissenschaft, Technologie und Kunst in einem professionellen Umfeld geschaffen, in dem gemeinsam Zukunftsszenarien erforscht und diskutiert werden können.

KORRELATION verwandelt eine Straße im Zentrum Karlsruhes in eine abstrakte Wasserlandschaft, die sich unter den Füßen der Passanten neu gestaltet und visualisiert die Spuren, die sie auf Ihrem Weg hinterlassen.

Die Installation ist in zwei Phasen unterteilt, die zum einen eine sinnliche Wahrnehmung und zum anderen eine wissenschaftliche, datengestützte Betrachtung unserer Umwelt in den Vordergrund stellen. Das Werk thematisiert mithilfe von Projektions-, Klang- und Sensortechnik Wasser als eine der kostbarsten Ressourcen unseres Planeten und macht mit der dynamischen Überlagerung von visuellen und klanglichen Ebenen auf das enge Beziehungsgeflecht zwischen Mensch, Natur und Technik aufmerksam. Ziel der Installation ist es, auf die wechselseitige Abhängigkeit aller menschlichen und nichtmenschlichen Akteure hinzuweisen, mit denen wir unseren Lebensraum teilen und gestalten.

Die Live-Performance zur Ausstellung “…The Ever Changing Light” nimmt die Besucher*innen mit auf eine sinnliche Reise durch die Stimmungsräume des Malers Karl Hagemeister.

Dabei werden die Werke digital analysiert, aufbereitet und in einzelne Bildpunkte aufgelöst, neu arrangiert und wieder zusammengesetzt. Eine außergewöhnliche Reise durch Landschaften aus Licht und Schatten und die überlebensgroßen Pinselstriche Hagemeisters. Die Stimmung der Gemälde wird in einem eigens komponierten Musikstücks aufgegriffen, welches impressionistische Spielweisen mit modernen und klangmalerischen Elementen verbindet. Die Performance verbindet die visuellen Bildwelten, mit elektronischen Klängen und dem analog gespielten Flügel zu einem poetischen Erlebnis. Nach der Live Performance waren Ausschnitte der Darbietung als Installation für die Besucher*innen der Hagemeister Ausstellung zugänglich.